外媒评《永恒之门》：被威廉-达福的演技挽救

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威廉-达福与导演朱利安-施纳贝尔亮相威尼斯

极具个人风格的导演朱利安-施纳贝尔，对艺术界保有持续关注：早在18年前，他就拍出了讲述古巴小说家雷纳-阿里纳斯人生经历的《夜幕降临之前》,之后又推出了讲述作家痛苦人生的《潜水钟与蝴蝶》。但施纳贝尔这一次的《永恒之门》却没有洞察到画家梵高的人生精髓,他展示了无限的痛苦，却没有真正深入到人物的灵魂。当然，威廉-达福是用演技撑起了集疯狂与理智为一体的画家。

公众对梵高这个人物的持久迷恋，以及达福那令人着魔的惊人表演，应该会在CBS电影公司11月发行这部影片时，吸引那些文艺片小众群体。该片在纽约电影节闭幕当晚上映，在北美或许有一线机会赢得票房上的成功。

梵高，这位后印象派画家曾多次在银幕上出现过，尤其是在罗伯特-奥特曼的《文森特与西奥》中，而这部最新电影其实并没有披露什么惊人的事情。施纳贝尔利用信件、猜测和纯粹的虚构，在支离破碎的场景中，提出了他对梵高在他的个人世界和画布之间进行的激烈争辩的个人看法。

论从哪个层面来衡量，《永恒之门》都是一部粗糙的极不平衡的电影——原始而刻意不加修饰的风格，摇晃的手持摄影机和广角镜头，这些镜头反映了不安的心绪，但并无意义。影片的配乐也不太和谐，它敲击出的音符就像一架破旧的需要调音的酒吧钢琴。在影片的大部分时间里，导演都象征性地在法语和英语之间转换，极其笨拙，你最好完全忽略语言的干扰。

梵高的朋友、同为艺术家的保罗-高更（奥斯卡-艾萨克饰）曾批评他画得太匆忙，画得太过火，造成了像粘土一样厚实的冲击力：“与其说是绘画，不如说更像是雕塑。”在梵高的一生中，大多数观察者都认为，梵高画作的触觉密度显得笨拙而不雅，但施纳贝尔在电影中开掘出了一种视觉和色调上的关联性，为这部独特的传记片赋予了一种令人振奋的粗砺的生命力。

《永恒之门》的时代背景设置在19世纪80年代末的巴黎，梵高当时是一位被排斥在艺术圈之外的独立艺术家。他的艺术品商人弟弟西奥（鲁伯特-弗兰德饰）无法出售他的作品，人们对悬挂在拥挤咖啡馆里的作品兴趣不大。只有高更没有去追捧那些主流的巴黎艺术家，他对文森特的画作有一种隐藏的欣赏之情。

“向南走，文森特！”高更告诉梵高。梵高说，他渴望离开灰色的天空和雾，希望看到阳光和空气。几乎身无分文的他搬到了阿尔勒，在那里度过了一个严酷的冬天，他租下了著名的黄房子，开始沉浸在自然世界中。影片的镜头捕捉到了地面、绿草、树叶和树根，最引人注目的画面是一片向日葵的田野。

“当我面对一处风景时，我看到的只有永恒，”文森特说。“我是唯一一个看到它的人吗?”大多数人对这位行为古怪的画家的敌意是显而易见的，一个学校老师（安妮-康西尼饰）在她年轻的学生面前公开嘲笑他的作品，引发了激烈的反应。不久之后，文森特在街上喝得酩酊大醉，被殴打住进医院，西奥去看望他的弟弟。梵高承认，他的思想正在让位于渐渐逼近的黑暗和焦虑。由于自己无法留在那里，西奥同意每个月从高更那里买一幅画，这样他就有财力在阿尔勒和文森特呆在一起。这段插曲是影片中最有趣的片段之一，两人肩并肩在普罗旺斯乡村地区作画，尽管他们的画技和他们完全不相容的性格一样不匹配。

艾萨克给高更带来了一种有趣的傲慢气质，这很好地中和了达福充满阴郁的情绪。这种友谊显然滋养了文森特。当高更宣布他将返回巴黎时，梵高的作品在那里得到了更大的认可。割断自己耳朵的暴力行为，被描述为与高更争吵的直接后果，一张血淋淋的纸上写着：“记住我”从那时起，施纳贝尔和他的编剧团队就开始研究梵高备受创伤的最后几年，但很多细节都被忽略和压缩了。

牧师坦率地承认，在文森特感到必须分享的作品中，他没有发现任何美和技巧。梵高的宗教背景浮出水面，他将自己与这位牧师的对话比作耶稣与本丢彼拉多的背水一战。他还说，也许上帝让他成为了一个为尚未出生的人作画的画家。

这部电影并没有成功地将梵高被迫离开阿尔勒、与一位古怪医生短暂居住在瓦兹河畔奥维尔的故事进行戏剧化。这位医生由马修-阿玛里克饰演，他是《潜水钟与蝴蝶》的主演，但在这部电影里，其角色在情感层面上却没有太大的发挥空间。最令人沮丧的是，梵高最后几年的创作进入了大爆发——约70幅画作被认为是历史上最伟大的作品——但这一切只是一个注脚，并没有更详细的描绘。

梵高棺椁出现的镜头，产生了一种令人悲怆的感觉，哀悼者们在欣赏周围展出的画作，但大多仍毫无热情，它将观众深深地吸引在了主人公痛苦的心灵中。这在很大程度上是达福的表演强度带来的。他那凹凸不平的脸庞，一双锐利的蓝眼睛从一顶破旧的草帽下探出头来，让观众瞬间想起了从自画像中所熟知的那个梵高。达福的表演展示了一个艺术天才的形象，他严重的精神疾病，似乎是在滋养而不是阻碍他创作出令人惊叹的作品的能力，这一点，影片基本表达准确。